Prado muzeja jaunā izstāde vēsturisko fotogrāfiju izvirza savas naratīva centrā , izmantojot kameru kā vadlīniju, lai izprastu, kā mākslinieki veidoja savu publisko tēlu, darba vidi un vizuālo atmiņu laikā no 19. gadsimta vidus līdz 20. gadsimta sākumam. Izstāde ar nosaukumu "Mākslinieka Visums pirms kameras " aicina apmeklētājus aplūkot gleznotājus un tēlniekus nevis caur viņu gleznām vai skulptūrām, bet gan caur fotogrāfijām, kas iemūžinājušas viņu ikdienas profesionālo dzīvi.
Projekts nebūt nav tikai anekdotiska izstāde, bet gan balstās uz Prado muzeja augošo un joprojām relatīvi nezināmo vēsturisko fotogrāfiju kolekciju , kas ir viena no muzeja jaunākajām un lielākajām sadaļām. Izmantojot 32 attēlu izlasi, izstāde pēta, kā fotogrāfijas parādīšanās aptuveni 80 gadu laikā pārveidoja mākslinieka attēlojumu, studijas iestudējumu un radošā procesa dokumentēšanu.
Mākslas un fotogrāfijas izstāde Prado centrā
Izstāde pēta mākslas un fotogrāfijas attiecības no 19. gadsimta 50. gadiem līdz 19. gadsimta 30. gadiem – periodu, kurā kamera kļuva par būtisku instrumentu mākslinieka un viņa apkārtnes tēla iemūžināšanai. Apmeklētāji varēs sastapties ar individuāliem un grupu portretiem, studijas skatiem un ainām, kas iemūžina dažādas mākslinieciskā procesa fāzes, sākot no sākotnējām skicēm līdz gandrīz pabeigtiem darbiem.
Fokuss neaprobežojas tikai ar slavenu seju demonstrēšanu: izlase rekonstruē autentisku mākslinieciskās ekosistēmas vizuālo karti , kurā akadēmijas, privātās studijas, improvizētas telpas un āra vide ir sajaukušās kopā. Mākslinieks šķiet svinīgi pozējam, atpūties kopā ar kolēģiem vai iegrimis savā darbā, kamēr kamera tver studijas atmosfēru un to raksturojošos objektus.
Ievietojot šos attēlus 19. gadsimta Eiropas kontekstā, izstāde ļauj mums izprast, kā fotogrāfija kļuva par galveno identitātes un profesionālā statusa apliecināšanas līdzekli . Fotoportreti kļuva par vizītkarti kolēģiem, klientiem, institūcijām un sabiedrībai, radot savu valodu, kurā pozas, apģērbs un rekvizīti runā tikpat daudz kā pašas sejas.
Izstāde ir saistīta arī ar Prado muzeja nepārtraukto darbu fotogrāfijas jomā, turpinot ceļu, ko pavērušas nesenās iniciatīvas, kas veltītas fotogrāfijai kā muzeja kopīgai atmiņai . Tādā veidā izstāde ne tikai izgaismo attēlotos māksliniekus, bet arī veidu, kā mākslas institūcijas ir integrējušas fotogrāfiju savos naratīvos.
Vienlaikus izstāde uzsver, ka šie attēli ir profesionālu un amatieru fotogrāfu tīkla rezultāts , daži no kuriem savā laikā bija ļoti atzīti, bet citi - anonīmi. Viņu perspektīvas, tehnikas un resursi rada mozaīku, kurā krustojas dokumentāli, komerciāli un reizēm pat atklāti mākslinieciski nodomi.
Programma "Atvērtā noliktava" un Villanueva ēkas 60. telpa
Izstāde ir daļa no Prado muzeja projekta "Atvērtā krātuve" , kura mērķis ir izstādīt 19. gadsimta darbus, kas parasti tiek glabāti noliktavā. Šī programma notiek Villanueva ēkas 60. telpā, kas paredzēta neliela formāta izstāžu rīkošanai, kas veltītas konkrētiem māksliniekiem, tehnikām vai tēmām.
Kopš atvēršanas 2009. gadā šajā galerijā ir rīkotas monogrāfijas, kas veltītas tādām personībām kā Sorolla, Rosales un Pradilla , kā arī izstādes, kurās tiek aplūkoti ar 19. gadsimtu saistīti tehniski vai tematiski jautājumi. Šajā kontekstā "Mākslinieka Visums pirms kameras" ir otrā monogrāfiskā izstāde, kas veltīta tikai fotogrāfijai no Prado muzeja kolekcijas, pēc izstādes "Prado multiplicēts: fotogrāfija kā kopīga atmiņa ".
"Atvērtās noliktavas" formāts ļauj publikai apskatīt reti izstādītus darbus , šajā gadījumā vērtīgus tā laika fotoizdrukas. Tās ietver vizītkartes, stereoskopiskas kartes, albuma izdrukas, fototipus, pastkartes un citus materiālus, kas rekonstruē mākslinieku klātbūtni sava laika sociālajā un profesionālajā sfērā.
Šis darba virziens arī palīdz paplašināt tradicionālo priekšstatu par Prado, kas daudziem apmeklētājiem ir saistīts gandrīz tikai ar glezniecību. Fotogrāfijas nozīme 60. telpā liecina, ka muzejs no jauna izvērtē savas kolekcijas no plašākas perspektīvas , kur grafiskie un dokumentālie materiāli iegūst arvien lielāku nozīmi 19. un 20. gadsimta interpretācijā.
Šajā jaunajā programmas daļā kuratore Beatrise Sančesa Torija atkal ir atbildīga par atlasi un diskursu, formulējot lasījumu, kas apvieno vēsturiskus datus, estētiskās vērtības un konteksta analīzi , taču neaizmirstot par cilvēcisko komponentu, kas parādās katrā portretā.
Portreti, studijas un darba ainas: mākslinieks kameras priekšā
Izstādes kodolu veido 32 fotogrāfijas, kas piedāvā daudzpusīgu skatījumu uz mākslinieku kā indivīdu un kā kopienas locekli . Tajā ir iekļauti formāli portreti, grupu pozas, studijas attēli un fotogrāfijas, kas koncentrējas uz radošā procesa detaļām, piemēram, modeļiem, starpposma ģipša atlējumiem un audekliem dažādās pabeigšanas stadijās.
Viens no izstādes atklāšanas darbiem ir grupas fotogrāfija, kas uzņemta Anhela Alonso Martinesa studijā un ko Prado muzejs iegādājās 2012. gadā. Tajā redzami ar Sanfernando Karalisko Tēlotājmākslas akadēmiju saistīti mākslinieki, kas pozē kopā ar dažiem saviem profesoriem. Plašā, ar stiklu norobežotā studija ar divslīpju jumtu parāda, kā šīs telpas funkcionēja kā darba, apmācību un socializēšanās vietas.
Apmeklētāji var arī apstāties, lai apbrīnotu panorāmas skatu uz Mariano Fortuny studiju Romā , kas veidota no diviem blakus esošiem paneļiem, kuru šuves tik tikko redzamas. Studija izskatās gandrīz kā kuriozu lietu kabinets, kas piepildīts ar priekšmetiem, darbiem, audumiem un mēbelēm, kas daudz ko stāsta par mākslinieka gaumi un pieeju radīšanai.
Izstādē ir iekļauti arī Federiko de Madrazo studijas Madridē , Luisa de Madrazo darbnīcas un tēlnieka Agustīna Kerola attēli, kā arī alegorija par mākslu, kas paredzēta Nacionālās bibliotēkas frontonam. Citās fotogrāfijās redzami spāņu mākslinieki Romā, ainas Alhambras Zelta istabas pagalmā un mierīgāki brīži, piemēram, gleznotāji Haime Morera un Agustīns Lārdijs pavāru tērpos.
Šīs ainas atklāj, ka mākslinieka darbnīca bija ne tikai klusas radīšanas vieta, bet arī tikšanās vieta un rūpīgi uzbūvēta skatuve . Fotogrāfijās redzams viss, sākot no izsmalcinātas, gandrīz teatrālas vides līdz askētiskākām telpām, kurās dominē molberti, nepabeigtas skulptūras un audekla kaudzes.
Šī kolekcija atklāj, kā 19. gadsimta otrajā pusē fotostudijas apmeklējums kļuva par sabiedrisku un profesionālu notikumu . Pilsētās izplatījās tā sauktās "stikla kabīnes" — spilgti apgaismotas studijas, kas atradās uz jumtiem vai augšējos stāvos un izmantoja dabisko apgaismojumu, lai uzlabotu attēla kvalitāti.
No cartes de visite līdz autohromam: fotogrāfijas tehnikas un mediji
Papildus ikonogrāfiskajam saturam izstāde pievēršas fotogrāfijas tehniskajai evolūcijai divu gadsimtu laikā . Ekspozīcijā ir iekļauti albumīna iespiedumu, platinotīpiju, želatīna sudraba iespiedumu un kartona iespiedumu piemēri, kā arī retāk sastopami materiāli, piemēram, attēli uz dzelzs vai stikla.
Viens no pārsteidzošākajiem aspektiem ir vienas krāsas fotogrāfijas klātbūtne kolekcijā: tēlnieka Migela Blē stereoskopisks autohroms izdrukas eksemplārs, datēts ar laiku no 1904. līdz 1910. gadam un autors nezināms fotogrāfs. Tas ir viens no vecākajiem Prado muzeja glabātajiem krāsu attēliem, kas tika ziedots 2020. gadā un tika izveidots, izmantojot Autochrome sistēmu, ko 20. gadsimta sākumā patentēja brāļi Limjēri.
Šajā attēlā Blejs izskatās ārā, atspiedies pret veģetācijas fonu un neskatās tieši kamerā, kas liecina par uzticības pilnām attiecībām ar fotogrāfu. Zaļie, baltie un ādas toņi atklājas, kad darbs tiek īpaši apgaismots, piešķirot mākslinieka un objekta saskarsmei gandrīz intīmu dimensiju.
Izstādē uzsvērts, ka Prado vēsturisko fotogrāfiju kolekcija, kas lielākoties veidota no ziedojumiem 21. gadsimtā, sastāv no vairāk nekā 10 000 vienību un turpina pieaugt. Neskatoties uz savu lielumu, tā joprojām ir viena no iestādes mazāk zināmajām kolekcijām, tāpēc šādi projekti ir būtiski tās atpazīstamības celšanai.
Runājot par formātiem, ir pieejams pārpilnībā apmeklējuma kartiņu un "Parīzes" karšu, kas paredzētas gan individuāliem portretiem, gan lielākām grupu kompozīcijām. Ir arī promenādes kartes, kas paredzētas stilizētākiem pilna auguma portretiem, un pastkaršu vai fototipu piemēri, kas parāda, kā mākslinieka tēls izplatījās ārpus stingri profesionālā loka.
Piedāvātie mākslinieki: no Madrazo ģimenes līdz Migelam Blejam
Daudzi no izstādītajiem darbiem ir no 19. gadsimta un 20. gadsimta sākuma spāņu mākslinieku arhīviem . Starp ievērojamākajiem vārdiem ir Luiss un Federiko de Madrazo, Dioskoro Puebla, Sesilio Pla, Migels Blejs, Agustīns Kerols un Mariano Fortuni, kā arī citi plašākai sabiedrībai mazāk pazīstami mākslinieki.
Madrazo ģimenes sāgai ir nozīmīga vieta, kurā redzami ģimenes studiju un pulcēšanās attēli simboliskās vietās . Vienā no fotogrāfijām ģimene ir redzama Alhambras Zelta istabas pagalmā, kur kamera iemūžina gan Nasrīdu arhitektūru, gan attēloto personu, tostarp Sesīlijas de Madrazo un viņas vīra Mariano Fortuni, mierīgo attieksmi.
Tēlniecības jomā īpašu vietu ieņem Migela Bleja figūra . Papildus iepriekšminētajam krāsainajam autohromajam iespiedumam Prado muzejā ir apskatāmas trīs viņa skulptūras, un izstādē ir iekļauta fotogrāfa Hulio Torresa Vivankosa darba " Eclosión en su estudio" ("Aizvēršanās viņa darbnīcā") fotogrāfija, ko no želatīna sudraba iespieduma uz papīra, kas uzmontēts uz kartona, 1904. gadā uzņēmis fotogrāfs Hulio Torress Vivankoss. Rāmis, kurā redzams neparasts saīsinājums no darba aizmugures, ļauj novērtēt modelēšanas detaļas, kas frontālā skatā paliek nepamanītas.
Citā attēlā redzama Bleja izstādes dalībnieka karte 1900. gada Parīzes pasaules izstādē , kur viņa portrets ir redzams vizītkartes formātā. Šis dokuments ilustrē to, cik lielā mērā fotogrāfija tika integrēta oficiālajās mākslas apritē, pavadot māksliniekus starptautiskos konkursos un nozīmīgos kultūras pasākumos.
Kolekciju papildina momentuzņēmumi, kuros citi mākslinieki parādās dažādos kontekstos: tēlnieks Agustins Kerols blakus monumentālai mākslas alegorijai, gleznotājs Benliure, kas attēlots kopā ar rakstnieku Federiko Garsiju Sančizu viņa darbnīcā, vai spāņu mākslinieku grupas Romas studijās, piemēram, Altobelli un Molinsa darbnīcā.
Ar šo piemēru palīdzību izstāde atklāj, kā fotogrāfija darbojās kā gleznotāju un tēlnieku sabiedrotā , pavadot viņus ikdienas dzīvē, dokumentējot viņu pasūtījumus un palīdzot saglabāt piemiņu par viņu darbiem un tiem, kas tos padarīja iespējamus.
Sievietes mākslinieces un sieviešu klātbūtne attēlos
Vēsturiskā ainavā, kurā dominē vīriešu figūras, izstāde koncentrējas uz sieviešu mākslinieču joprojām minoritātes klātbūtni fotogrāfijās. Lai gan lielie grupu fotoattēli, kas uzņemti darbnīcās un studijās, atklāj gandrīz sistemātisku sieviešu mākslinieču neesamību, daži atsevišķi portreti liecina, ka dažām sievietēm tomēr izdevās ielauzties šajā profesijā.
Nozīmīgs piemērs ir Marijas Luīzes de la Rivas portrets viņas Parīzes studijā ap 1900. gadu. 41 gada vecumā viņa tur rokās paleti un otu, attēlā, kas viņu bez jebkādām pretenzijām attēlo kā profesionālu gleznotāju, kas strādā, lai nopelnītu iztiku, nevis kā amatieri. Kadrējums un poza pastiprina šo statusu, uzsverot viņas autonomiju un karjeru.
Klāt ir arī gleznotāja Fernanda Fransesa, kuru Fernando Debass nofotografējis uz promenādes kartītes, kas datēta ar laiku no 1875. līdz 1883. gadam. Šis stilizētāks, pilna auguma portreta formāts palīdz parādīt māksliniecei stabilu publisku klātbūtni pasaulē, kas tikai sāka viņu uzņemt akadēmiskajā un izstāžu sfērā.
Līdzās šiem vārdiem izstādē ir iekļauti arī sieviešu studentu attēli Sesilio Pla un Manuela Gonsalesa Santosa darbnīcās , kas ir vizuāls apliecinājums tam, kā dažas sievietes sāka integrēties formālajā mākslas izglītībā. Lai gan viņas joprojām ir minoritāte, viņu parādīšanās fotogrāfijās liecina, ka sociālās pārmaiņas jau bija sākušās.
Turpretī starp 32 atlasītajiem darbiem nav identificētas sievietes parakstītas fotogrāfijas , ko kolekcijas kurators uzskata par būtisku. Nav izslēgts, ka daži nezināmu autoru darbi varētu būt sieviešu fotogrāfu darbi , taču pagaidām trūkst pētījumu, kas to apstiprinātu, kas paver jaunu pētījumu lauku par sieviešu autorību.
Tehnisks un vēsturisks ieskats 80 gadu fotogrāfijā
Izstādes laika posms aptver aptuveni astoņas fotogrāfijas evolūcijas desmitgades no 19. gadsimta 50. gadiem līdz 19. gadsimta 30. gadiem. Šajā periodā notika tehniskas, komerciālas un kultūras pārmaiņas, kas tieši ietekmēja to, kā tika attēlots mākslinieks un viņa vide.
Savās pirmajās desmitgadēs fotogrāfija piedāvāja iespēju precīzi iemūžināt nestabilu realitāti , kas bija īpaši vērtīgi tiem, kas strādā ar modeļiem, sarežģītām scenogrāfijām vai monumentāliem projektiem. Pakāpeniski portrets kļuva par vienu no jaunā medija galvenajiem žanriem, kas saistīts ar identitātes un sociālā prestiža apliecināšanu.
Saglabātie attēli parāda, kā pozas , izvēlētie objekti un apģērbs konstruē vizuālu diskursu par katru mākslinieku: daži ieskauj sevi ar gleznām un skulptūrām, lai nostiprinātu savu statusu, citi dod priekšroku atturīgākai scenogrāfijai, bet ir arī tādi, kas sevi prezentē mierīgākā atmosfērā, gandrīz vai sadarbojoties ar fotogrāfu.
Vienlaikus konkurence starp fotostudijām veicināja formātu un prezentāciju dažādošanos . Visit kartes un "Paris" kartes atviegloja individuālu portretu apriti, savukārt lielie formāti un grupu kompozīcijas atbilda akadēmiju, asociāciju un profesionālo aprindu pieprasījumam.
Prado izstāde sintezē šo tehnisko un sociālo vēsturi, izmantojot virkni eksponātu, no kuriem lielākā daļa ir jauni publikai, un to dara, izmantojot pieeju, kas apvieno specializētus pētījumus ar pieejamību . Apmeklētāji var sekot līdzi šo pārmaiņu gaitai, neapgūstot tehnisko žargonu, taču ar pietiekamu detalizāciju, lai izprastu katra sasnieguma nozīmi.
Izstāde apmeklētājiem būs atvērta līdz 5. jūlijam Prado muzeja Villanueva ēkas 60. telpā , piedāvājot unikālu iespēju ielūkoties mazredzētā mākslas vēstures nodaļā: brīdī, kad kamera kļuva par mākslinieku sabiedroto, kas definēja, kā viņi vēlas tikt redzēti un atcerēti.
Izstādē “Mākslinieka visums pirms kameras” apkopotā fotogrāfiju kolekcija glezno sarežģītu un niansētu 19. un 20. gadsimta mākslas dzīves portretu: darbnīcas, kas pārveidotas par skatuvēm, mākslinieki, kas sevi apliecina objektīva priekšā, pastāvīgi mainīgas tehnikas un fotogrāfiju kolekcija, ko Prado atklāj, lai parādītu, kā radītāja tēls tika konstruēts tikpat daudz ar otām un kaltiem, cik ar plāksnēm, negatīviem un autohromiem.
